Avengers: Infinity war. / Vengadores: La guerra del infinito.

Avengers: Infinity war

Avengers: Infinity war, está aquí, llegó el macro-evento Marvel que todo el mundo estaba esperando, especialmente tras las dos cintas de humor ridículo e insufribles de Thor Ragnarok y Guadianes de la galaxia II. La espera ha merecido la pena, estamos ante el mejor filme de la franquicia realizado hasta la fecha. Era fácil conseguir la atención del público, en buena parte gracias al enorme despliegue de personajes presentados hasta la fecha; pero en cuestión de construcción narrativa, la película se enfrentaba a un gran reto, conseguir que los personajes no se pisaran entre si. Objetivo conseguido, La Guerra del Infinito, maneja perfectamente los tiempos, ofreciendo a cada uno de ellos su momento de gloria, manteniendo un gran nivel de adrenalina y acción, sin perder de vista el argumento.

Y es que no podemos engañarnos, Marvel Studios nunca ha tenido en mente crear cine de vanguardia, sino un espectáculo de grandes fuegos artificiales y efectos especiales, que entretuvieran al espectador. En este aspecto, la tercera entrega de Los Vengadores, es imbatible en estos momentos. Tampoco han dejado de lado, el sentido de humor que les caracteriza, lo han hecho con sentido y sin acuchillar escenas, una y otra vez, como han hecho en anteriores ocasiones (especialmente, en las dos cintas mencionadas al inicio del artículo). El filme no se sostiene solo con el artificio y el espectáculo, sino que también hay una historia detrás, Marvel Studio, sabe perfectamente a que está jugando y a dónde quiere llegar con su universo cinematográfico.

La trama gira en torno a Thanos. La función del titán, no se limita al típico ser poderoso con una misión destructiva que cumplir, sino que además, guarda una serie de matices que hacen de él un personaje interesante (es decir, hay un guión detrás). Es el dueño y señor de la cinta y aunque no aparezca acreditado como tal, es el auténtico protagonista de la misma. La acción se divide en cuatro frentes, en los que el espectador no se perderá y que permitirá a cada uno de los héroes brillar con luz propia. Pese a este detalle, sus personajes centrales están unidos por un  mismo sentimiento, ya sean Héroes o el propio Thanos, todos ellos guardan un sentimiento en común, el miedo a la soledad.

La Guerra del Infinito, tiene un protagonista bien presentado y argumentado, que a su vez resulta ser el villano/antagonista. Este personaje es interesante y a la altura del proyecto que están depositando sobre sus hombros, posee además unas subtramas bien delimitadas y en lo que respecta al aspecto técnico es lo mejor que ha hecho Marvel Studio, hasta la fecha.

Debo reconocer, que hasta la fecha, no estaba muy conforme con el trabajo de los Hermanos Russo. Tanto, El soldado de invierno, como, Civil War, me decepcionaron (ya explicaré porque); pero en esta ocasión, debo admitir que han conseguido un gran trabajo.

Advertencia: No llegue tarde o se perderá grandes momentos, porque en, Los Vengadores: La guerra del Infinito, atacan con todo, desde el inicio. ¡Ah! Y no olviden repasar las películas iniciales de la saga, hay invitados sorpresa.

La peste.

                                                                     La peste
                                       FICHA TÉCNICA

                            

Sinopsis: En medio de un brote de peste, varios miembros destacados de la sociedad sevillana aparecen asesinados. Mateo, condenado por la Inquisición, debe resolver esta serie de crímenes diabólicos para lograr el perdón del Santo Oficio y así salvar su vida. Una investigación a vida o muerte en un entorno de represión pública y hedonismo privado; de misticismo y caos; de conventos relajados y burdeles reglamentados; de cárceles como escondite; de hospitales como tumbas; de traiciones y lealtades.

Aunque sea muy pronto para esta valoración, puede ser una de las mejores series de este año. Alberto Rodríguez y Rafael Cobos hacen una magnífico trabajo, desde la construcción de personajes, a la elaboración de la historia; un trepidante Thriller, que además de sombríos crímenes refleja el oscurantismo del siglo XVI.

He detestado la ficción televisiva española por mucho tiempo, si bien es cierto que guardo entre mis favoritas series como Historias para no dormir. También he de recordar brillantes producciones del ayer como Fortunata y Jacinta o Cañas y barros, dos series que quizás resulten un tanto densas para el público actual, pero que a nivel personal, reflejan una calidad muy notable. De un tiempo a esta parte, la televisión en España se ha convertido en un espectáculo bochornoso, con penosos decorados de cartón piedra y una pésima calidad. 

No es una cuestión de sus técnicos, auténticos profesionales y muy bien formados. Tampoco es una cuestión económica, puesto que actualmente las producciones cuentan con un presupuesto (cada una en su liga) bastante similar al de series realizadas por la BBC .

Guiones inorgánicos, diálogos absurdos (vergonzoso en muchas ocasiones) y el escaso interés por los productores en ofrecer un producto de calidad (en este punto directamente se ríen del espectador), son la enorme losa que cargan la series españoles en estos momentos. Por suerte esto parece estar cambiando en las cadenas de pago, en abierto siguen haciendo las mismas mierdas. Allá por el 2011 canal + estreno en su plataforma Crematorio, el primer acercamiento de la televisión actual por las series bien cuidadas y bien realizadas. 2017 nos trajo La zona, una muestra de que la ficción española puede ser francamente buena, 2018 inicia con La peste, una espectacular serie, que no tiene nada que envidiar a las producciones de EEUU.

Una de las cosas realmente asombrosas de esta serie, es su excelente ambientación, una escenografía que te atrapa en su micro-cosmos desde el primer instante y no te suelta hasta el final. El trabajo de Pau Esteve en la fotografía es sensacional, su influencia artísticas de los mejores pintores del barroco se hace presente en cada plano (especialmente en los interiores). Al ser localizado en Sevilla, es inevitable mencionar nombres como Velázquez o Murillo entre los artistas referentes (si pulsan este enlace, podrán ver una serie de referencias artísticas más amplia).

La peste es hipnótica, su guión y realización no se quedan atrás en sus virtudes. Alberto Rodríguez imprime en este trabajo un estilo muy similar al de La isla mínima; nos atrapa con la premisa de misterio y poco a poco vamos conociendo los entresijos de cada uno de sus personajes (ya sean principales o secundarios). Desde lo positivo de cada uno de ellos, hasta sus acciones más despreciables. Una serie sensacional.

Star Wars VIII, The Last Jedi / Los últimos jedis.

Star Wars VIII, The Last Jedi

152'

FICHA TÉCNICA

Sinopsis: La malvada Primera Orden se ha vuelto más poderosa y tiene contra las cuerdas a la Resistencia, liderada por la General Leia Organa. El piloto Poe Dameron, encabeza una misión para intentar destruir un acorazado de la Primera Orden. Mientras tanto, la joven Rey, tendrá que definir su futuro y su vocación, y el viejo jedi Luke Skywalker revaluar el significado de su vida.

La octava entrega de la saga llega para aportar una perspectiva de futuro a la franquicia y enterrar el pasado (ya era hora). Los fans de Star Wars, al igual que cualquier otro gran producto de esta índole, son un tanto peculiares; denostaron “El despertar de la fuerza” por ser una copia de la saga clásica y hoy critican el nuevo rumbo que toma. Son como el perro del hortelano, "ni comen ni dejan comer".

No es la película perfecta, ni mucho menos, pero dentro del cine de evasión y entretenimiento funciona. La realización está bien cuidada, mantiene un buen ritmo y su trama resulta interesante, quizás su gran defecto se encuentre en el uso del CGI (algo equilibrado en su predecesora) además de ciertos agujeros en el guión, pero recuerden; esto es Star Wars y la saga lleva siendo agujereada en ese campo desde 1977. 

Analizaré el filme a partir de sus personajes principales, de tal modo que no destripe su argumento para quien no haya visto la película.

Rey domina la pantalla, para ciertos espectadores anclados en el pasado, quizás les resulte difícil entender esto pero; ella es la autentica dueña y señora de la saga. Esta nueva trilogía es su camino del héroe y si a estas alturas no han entendido que dicha aventura se protagoniza mediante el alumno y no por su maestro, nunca comprendieron Star War (y mucho menos su mitología).

Kylo Ren evoluciona como villano, se asienta como antagonista indiscutible del show y funciona en sintonía con su protagonista, que Snoke no le despiste. Si bien Kylo hereda el puesto de Vader en la historia, el desfigurado líder de la primera orden ocupa el mismo vínculo que entonces tuviese Darth Sidious en la saga clásica. Y lo que no se pregunto entonces, no tiene sentido hacerlo ahora.

Poe Dameron, goza de mas minutos en pantalla (respecto al despertar de la fuerza)  y por ende disfruta de una mayor progresión en la saga, su duelo con la vicealmirante Amilyn Holdo es un claro bofetón a los seguidores de Han Solo, o al menos lo que representa dicho personaje para la saga. 

Finn crece como personaje, su implicación en la armada rebelde evoluciona a tal punto que modifica su implicación en ella, es por este motivo que Rose hace aparición en la película, un personaje secundario que ayuda en dicha evolución, además de aportar consigo el único mensaje positivo de todos los personajes de la saga.

A riesgo de generar polémica, su argumento es más maduro que su trilogía clásica. Tantos años después y tras mucho Space Opera como "Battlestar Galactica" (el  título escogido no es una casualidad), la sorpresa que generó en 1977 "Una nueva esperanza", no se trasmite para esta ocasión. El aspecto más interesante de "Los último Jedi" se encuentra en su atrevimiento (leve) a la hora de entrar en las cloacas de la luz; es decir los Jedi y el ejército rebelde, algo que "Rogue One" hizo sin tapujos. 

Dunkirk.

                                           Dunkirk

                                                 107'

                                                 FICHA TÉCNICA:

Dunkirk es una obra maestra, cualquiera que tenga ojos se dará cuenta de ello, Christopher Nolan presenta una de esas películas que no se olvidan. El espectador quedará atrapado juntos a los soldados ante el asedio de la aviación alemana. Nolan no vive solo del poderío visual, sino que además de esto, hace uso del sonido de tal modo que no deja un segundo de relajación en el espectador.  Sentirá el temor de la guerra junto a los soldados.

Una auténtica película antibélica que obvia la sobre-explotación de la ideología, no busca el odio ni el rencor. Dunkirk habla sobre una derrota, sin la figura de los grandes héroes que acostumbra el cine a representar, no hay discursos motivacionales; es un largometraje sobre desesperación, el abandonado, la decepción, el miedo a perder la vida y ante todo recuperar la dignidad. Un trabajo serio que no dejará indiferente a nadie.

La historia se divide en tres puntos de vista intercaladas entre sí con diferente duración cada una de ellas: los soldados en tierra, la fuerza aérea británica y  por mar con el esfuerzo del salvamento civil, voluntarios en el rescate de los primeros. Cada uno de ellos funciona bajo su propio ritmo, algo que por cierto se advierte desde un inicio y que personalmente afea el largometraje (no lancen piedras aún). Hollywood no tiene que perder la fe en el trabajo ante un filme de estas características,  la clave de la vertebración del tiempo (una constante en su filmografía) queda clara y no es necesario recurrir a los carteles por temor de que algún despistado se desoriente. 

Para hablar de Dunkirk es imposible no mencionar su fotografía, desde las tomas interior que consigue encerrar los personajes en espacios reducidos, hasta sus grandes planos generales que reflejan un vacío casi existencial. Hoytema dirige la fotografía como si de un director de orquesta se tratara, una opera visual que recurre a un elemento que parecía olvidado, la profundidad de campo. La mezcla entre lo clásico y lo vanguardista con las tomas bajo el agua, el trabajo con color. Sensacional.

Sería injusto no tratar el manejo del sonido, el enemigo apenas se manifiesta de forma visual, teniendo una participación casi fantasmal, que aterra sin la necesidad de disparar munición. Un ejemplo de como usar el ruido,  los sonidos y el silencio. Hans Zimmer, por lo que respecta al apartado musical, entremezcla en la banda sonora efectos de reloj y latidos que otorgan un pulso frenético a la acción, aunque debo advertir un pero. Las composiciones realizadas a lo largo de todos sus trabajos junto a Nolan son excesivamente reiterativas en su estilo, independientemente del género en el que se encuentre y esto puede generar cierta confusión.

¿Porqué una de mis 112 películas ?

-En primer lugar Christopher Nolan es uno de los mejores directores de la actualidad.

-Dunkirk es una autentica joya del cine bélico de todos los tiempos. 

-Por su excelente dirección de fotografía y su apuesta por la profundidad de campo, mucho hay que retroceder en el tiempo para encontrar algo de este estilo.

-Es su mejor trabajo hasta la fecha.

-Dunkirk es junto a Blade Runner 2049, la mejor película del siglo XXI realizado hasta la fecha.

-Otros títulos a mencionar dentro de su filmografía: Following (1998), su largometraje de presentación, una maravilla en blanco y negro; Memento (2000), su montaje a la inversa; El caballero Oscuro (2008) su mejor película de la trilogía Batman, ¿Por qué? una sola palabra Joker.

It.

                                                  IT.

                                                 135'

                                        FICHA TÉCNICA.

Adaptación de la novela de Stephen King que atiende al mismo nombre. Nunca fui especialmente fan del payaso asesino, ya fuese en la novela, el telefilme de los 90 o la actual versión (grata sorpresa en este sentido). Pero nunca viene mal encontrar un poco de evasión de calidad e It es eso, entretenimiento puro y duro dentro del campo del cine de terror. La cinta cuenta con numerosas referencias al cine de los 80, E.T, Los Goonies, Cuenta conmigo (curiosamente otra novela de Stephen King), Stranger Things (en esta cuestión se retroalimentan) entre otros.

                        

Mantiene un buen ritmo narrativo a lo largo de la película, consigue hacer algo que otros largometrajes nunca entendieron del cine de terror. En ciertos sentidos, conseguir sustos en el cine es sencillo, apariciones por aquí, descuartizamientos por allá y el sobresalto en el espectador se consigue. Cierto es que hay un riesgo de caer en el ridículo, pero de algún modo lo que hoy se está realizando, en cuanto al terror se refiere, únicamente juega sus bazas a lo anteriormente mencionada (apariciones y descuartizamientos).

                        

La clave principal del género radica en aquello que nos resulta cotidiano, convertir en algo perturbador lo que damos por seguro y apacible en nuestra vida. It, tiene  mucho de eso, es la propia vida de los niños lo que inquieta: la soledad dentro de la vida de Bill por la perdida de su hermano, los abusos sexuales en Beverly, la madre dominante y sobreprotectora de Eddie, lo racial con Mike, el miedo a convertirse en adulto de Stan y decepcionar en su madurez, los ataques por el físico que sufre Ben; el rechazo en el caso de Richie (sí es el más bocazas, pero considero sus actuaciones como un mecanismo de autodefensa del chico). Pennywise actúa de potenciador. Quizás el punto negativo se lo anoto al personaje de  Henry Bowers, un tanto gratuito por su aportación a la trama, su importancia está en el libro, e incluso en la versión de los 90, pero por razones de spoiler no puedo especificar mucho más.

                           

Puesto que ayer realicé una crítica de Mother!, es probable que algún intelectual se sobresalte "¡Cómo es posible que des una mejor valoración a esta peliculilla y desprestigies a un artista de la talla de Aronofsky! ". Es muy sencillo, se base en la propuesta, los ingredientes de comedia y miedo son advertidos desde un inicio, es consecuente con lo que It presenta, Mother! traiciona lo que se espera de él, conozco perfectamente su trabajo y sé a que atenerme pero  Mother!, termina cayendo en un ridículo que no cuadra con lo que aspira.

Mother.

                                             Mother!
                                                120'
                                     FICHA TÉCNICA

Estéticamente bien cuidada, cargada de simbolismo y surrealismo, sórdida y disparatada por momentos. La nueva película de Darren Aronofsky no dejará indiferente al espectador, tanto para bien como para mal. Queda muy lejos de cualquiera de sus trabajos anteriores que, siendo en muchos aspectos obras de un carácter perturbador, nunca perdían el hilo. Disculpen había olvidado Noé.

                           

Se celebra su ruptura con lo políticamente correcto, en lo que a vísceras se refiere, pero ingenuo en el apartado sexual. Y digo nuevo, porque el tratamiento de la sexualidad, ese alma puritana que habita dentro la industria cinematográfica estadounidense, ya resulta un tanto preocupante. Sí, hay sexo, pero todo parece concentrado en la recreación de lo sanguinolento, nada que objetar a lo segundo, mucho para reflexionar de lo primero. 

                            

Las metáforas son constantes a lo largo de la película y practica un triple juego entre religión, lo artístico y la perdida de intimidad. Un hogar dividido en tres plantas, un cielo como lugar de creación representado en el ático, lo terrenal destinado a la planta principal y los infiernos del sótano. Ocurre del mismo modo con sus principales personajes: el artista como creador (Javier Bardem); la mujer como fuente de inspiración y Virgen María (Jennifer Lawrence); los seguidores y fieles personificados en los intrusos  (Ed Harris, Michelle Pfeiffer); y una comunión (lo que ello representa dentro del cristianismo) que no especificaré a fin de evitar spoilers. En términos de intimidad, la pareja, sus conflictos y como afectan los extraños en sus vidas.

                               

El manejo del tiempo es errático, una secuencia de presentación más extensa sobre la relación entre Javier Bardem y Jennifer Lawrence no hubiese estado mal, pero con todo y con ello, sus dos primeros actos funcionan acordes a lo que pide la película. Es en su tercio final donde todo se tuerce, el descontrol vence al director y este se deja llevar por él

                                

Técnicamente no se puede alegar nada en su contra. Composición bien cuidada, excelente fotografía, un sonido que otorga vida propia a la casa, y un hermoso e inquietante diseño artístico. Era optimista con la película, tenía la sensación de que este filme era una tabla de salvación para el género de terror que, desde hace bastante tiempo anda muy perdido en cuanto a ideas y planteamientos se refiere. El despelote final no hace más que convertir en show, algo que hubiese podido llegar a ser una gran película.

Blade Runner 2049.

                                             Blade Runner 2049
                                                       163'
                                              FICHA TÉCNICA

         

*Esta crítica no contiene Spoilers.

Han pasado 30 años desde los acontecimientos ocurridos en Blade Runner. El agente K, un caza-Replicantes del Departamento de Policía de Los Ángeles, descubre un secreto que ha estado enterrado durante mucho tiempo y que tiene el potencial de llevar a la sociedad al caos. Su investigación le conducirá a la búsqueda del legendario Rick Deckard, un antiguo blade runner en paradero desconocido. 

Blade Runner nace en 1982, de la mano de Ridley Scott e influenciada por el relato "¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? ", escrito por Philip K Dick. Una cinta de ciencia ficción, que desarrolla su trama mediante las claves del cine negro. Mucho sufrió por aquel entonces, problemas durante el rodaje y post-producción, malas críticas y una escueta taquilla. Poco a poco se transformó en uno de los largometrajes más icónicos de la cinematografía de los años 80, una de las principales referencias dentro del campo de la ciencia ficción y un filme elevado a la categoría de culto por millones de seguidores. Tras "siete ediciones" a lo largo de 35 años, Villeneuve recoge el testigo. 

Extraños zumbidos llegan a mis oídos sobre esta secuela. Gente llamando al desaliento, indignados por su falta de acercamiento a la original. En primer lugar, es osado decir esto, cuando uno de los responsables a cargo del guión y estructura, resulta ser la misma persona en ambos casos (Hampton Fancher). 2049 no duda en abordar ciertos elementos del relato de Philip K Dick, algo testimonial en la versión de Scott. Su crítica por lo extenso del metraje es un tanto peculiar, ya que comparten un ritmo similar, con la sutil diferencia del número de personajes (y escenarios) involucrados en su historia. Finalmente, sorprende su queja por falta de acción, como si de una secuela de Star Wars se tratase. Dejando de lado estos aspectos, pasaré al meollo de la cuestión, la película en si.

2049 refleja una historia más madura que su predecesora, no duda en desarrollar aspectos complejos y cargados de filosofía tales como: "Qué es el hombre y el sentido de la humanidad", lo hace de un modo sencillo para el espectador. Ambas versiones, reflejan un personaje principal perdido en el mundo que le ha tocado vivir, y desorientado por su papel en él, K ( Ryan Gosling), no se deja embaucar por esa apatía, evoluciona según avanza la trama, persigue la búsqueda de la identidad, el ya célebre "Conócete a ti mismo". Este choque se hace patente cuando ambos Blade Runners comparten escenas.

Su argumento no se vuelca exclusivamente en su personaje principal, los secundarios adquieren personalidad propia dentro del relato, algo que justifica lo extenso del metraje. Necesario para conocer su función dentro de la obra, no limitar su participación al de un mero testigo de los acontecimientos. Hablando metafóricamente, 2049 podría identificarse con un árbol: una raíz que origina todo, su precuela y en especial el agente Deckard (Harrison Ford); un tronco en el que sostener la trama, K;  distintas ramificaciones que se adhieren a este nuevo caza-replicantes, con diferentes subtramas planteadas por personajes como Joi (Ana de Armas), Joshi (Robin Wright), Niander Wallace (Jared Leto) que terminan por completar la trama. Al final queda el fruto del árbol, el mensaje, alimento que nutre al espectador. 

La cinta es una auténtica delicia a todos los niveles, desde lo argumental, a su  impronta fotográfica. Sus grandes panorámicas (y tomas aéreas) suscitan un cierto sentimiento de vértigo en el espectador, una grandiosidad que empequeñece a los hombres.  Los Angeles cambia de estética, la ciudad que fuese presentada por aquel entonces como un espacio lleno de oscuridad y sumido en una constante lluvia, hoy se transforma en un entorno gélido y gris.  El  juego de luz-sombras-reflejos (utilizados ya en su precuela) actúan como un elemento narrativo más, según incide en los diversos personajes. Ahondando más en lo fotográfico, veremos una tomas en interior cálidas y suaves, con una cierta tendencia al tono sepia que sufrirá modificaciones en base a los estados de ánimo de sus personajes. 

En conclusión, para aquellos que disfrutaron del trabajo de Ridley Scott, descubrirán que Blade Runner 2049 es una nave en llamas más allá de Orión, son los rayos C brillando en la oscuridad cerca de la puerta de Tannhäuser ... las lagrimas en la lluvia. Una obra maestra por derecho propio. Es momento de terminar el artículo. 

¿Porqué una de mis 112 películas ?

-Denis Villeneuve, es uno de los mejores cineastas en la actualidad.

-Su trabajo en Blade Runner 2049 supone un salto más grande, de lo que supusiera "Arrival" en su carrera

-El equilibrio entre una brillante fotografía y su argumento.

-Blade Runner 2049, es junto a Dunkirk, la mejor película del siglo XXI realizada hasta la fecha. Por su atrevimiento a la hora de mostrar en una cinta de evasión y entretenimiento grandes dosis de autor.

-Porque no es necesario esperar un cierto tiempo para considerar esta película como una cinta de culto. Y mucho menos "Siete ediciones" a posteriori.

-El realizador canadiense, ha ejercido como un maestro a lo largo de toda su filmografía, un director con la suficiente valentía para cambiar de registro, sin perder calidad. Siempre hay mejores y peores películas en la carrera de un director, pero la marca Villeneuve siempre ha mantenido a un gran nivel. Inicia su camino dentro de la industria del cine en 1996, con el proyecto colectivo  "Cosmos", donde ya por aquel entonces demostraba cierta atracción por la filosofía; 1998 marca su andadura en solitario con el largometraje "32nd day of august on earth", una cinta de corte romántico fuertemente influenciada por la Nouvelle Vague; 2000 trajo su lado más surrealista y psicológico con "Maelströn";  Probó el blanco y negro con "Polytechnique" (2009), una truculenta historia basada en la "Masacre de la Escuela Politécnica de Montreal", que cuanta con una brillante fotografía y una magnífica estética; adaptó la obra teatral "Incendies" (2010), obra que le catapultó a la fama a nivel internacional; "Enemy" (2013), imposible olvidar ese final, y por favor ¡La estética, no olviden la estética!; "Prisoners" (2013), uno de los thrillers mejor construidos y narrados de los últimos ¿10 años? (quizás me quede corto); "Sicario" (2015), su particular descenso a los infiernos, ambientada en la guerra del narcotráfico; "Arrival" (2016), su primer acercamiento al género de ciencia ficción, una película que podremos ver dentro de 10 años, sin perder un mínimo de actualidad. De no ser por Blade Runner 2049, situaría esta en mi particular lista de 113 películas. 

-Analizando el trabajo de Villeneuve a lo largo de su carrera, podremos encontrar siempre un mismo nexo en común. El ser humano.

13 reason why/ Por trece razones.

-Título: 13 reason why/ Por trece razones.

-Año: 2017.

-Pais: EEUU.

-Creador: Brian Yorkey ( basada en la novela homónima escrita por Jay Asher).

-Productora de emisión: Netflix / Kicked to the Curb Production / Anonymous Content / July Moon Production.

-Duración: Una temporada de sesenta minutos aproximados por episodio (Netflix ha anunciado una segunda temporada).

El adolescente Clay Jensen vuelve un día a casa después del colegio y encuentra una misteriosa caja con su nombre. Dentro descubre una cinta grabada por Hannah Baker, una compañera de clase por la que sentía algo especial y que se suicidó tan solo dos semanas atrás. En la cinta, Hannah cuenta que hay trece razones por las que ha decidido quitarse la vida. ¿Será Clay una de ellas? Si lo escucha, tendrá oportunidad de conocer cada motivo de su lista.

Ha pasado un cierto tiempo desde que Netflix estrenase 13 Reason why, pero al ser una serie de cierta notoriedad quise darle una oportunidad. Era consciente de no ser su tipo de público, ni mi sub género, pero esto no evita que pueda valorar un producto según sus características y hacer una crítica para aquellos que le pueda interesar.  Confiaba en la calidad de las producciones del canal para que tuviese algo a lo que agarrarme.

 Desde que el acoso escolar se transformó en Bullying, el tema ha sido ampliamente  tratado tanto en televisión, como en prensa escrita. Como no podía ser de otra manera, hasta que el anglicismo no hice acto de presencia en nuestras vidas, nadie sabia nada al respecto, por lo que ya esperaba cierto grado de hipocresía en la materia; cosas de la vida moderna. Debo suponer que al plantear esta serie los productores estaban pensando en unos espectadores de edad adolescente y con cierta tendencia a lo “Emo”. Netflix trabaja de esta manera, no estoy siendo cruel, sus series van destinadas a un publico especifico.

La serie es ridícula, irresponsable y manipuladora, una auténtica tomadura de pelo para el espectador. Mientras sus guionistas creen haber dado a luz un personaje del cual tener lastima, resulta ser todo lo contrario. Hannah es egoísta, caprichosa y odiosa, una chica cuyo pensamiento parece centrarse en la idea de que el Universo gira en torno a ella. Todo el mundo debe actuar tal y como ella espera, nadie tiene más vida que la de complacer la suya. 

Sus defectos serian subsanable de no ser por las numerosas situaciones de vergüenza ajena presentadas a lo largo de sus trece episodios, especialmente en aquellas de mayor conflictividad. Debo confesar que estoy haciendo muchos esfuerzos para no caer en el destripe de argumento, pero pocas veces me he visto tan insultado en una serie o película como en esta ocasión. 

La falta de información de los guionistas es abismal (y por extension el autor del libro, Jay Asher). La gente no se suicida por Bullying, sino por la depresión que esta les genera. Exceptuando grabaciones de audio, la protagonista no presenta mayores síntoma al respecto que la de estar triste, de hecho, son diversos personajes quienes por accidente de los guionistas (en sus afán de construir clichés) demuestran tener algunos de estos síntomas, como el propio Clay (hilo conductor de la serie), de quien se llega a mencionar el uso de medicación durante un cierto tiempo para sobrellevar un abuso sufrido. La serie no se molesta en desarrollar este hecho, es algo anecdótico. 

A nivel técnico no tengo mucha queja, la fotografía y en especial su tratamiento de color, concuerda con el estado de ánimo que intentan reflejar en cada episodio. Su trabajo en el departamento de arte también es destacable, la preparación del set  y el uso de atrezzo cubre lo que no logra su argumento. Sus interpretes cumplen notablemente con los roles que desempeñan, y no es tarea fácil ante tanta estupidez. 

Como imagino ya sabrán, Netflix ha anunciado una segunda temporada para esta serie, lo que demuestra su pésimo gusto a la hora de diseñar esta serie. Aquellos que hayan visto su último episodio entenderá de los que estoy hablando, al ser un problema de estructura y contenido no puedo ser más explícito. En conclusión resulta inquietante el tono glorificador del suicidio que emplea la serie, obvia cualquier otro tipo de ayuda para enfrentar los problemas, sugiriendo este como algo aliviador. Por tanto la serie que tanto predica sobre la responsabilidad, actual contrario a dicho principio.

Wonder Woman.

-Título: Wonder Woman

-Año: 2017

-Pais: EEUU

-Dirección: Patty Jenkins

-Guión: Allan Heinberg. Historia: Zack Snyder, Allan Heinberg, Jason Fushs (Basada en el personaje de comic Dc Wonder Woman, creado por William M Marston y Sadie Holloway Marston)

-Dirección de fotografía: Matthew Jensen

-Música: Rupert Gregson-Williams

-Productora: Warner Bros. Pictures; DC Entertainment 

-Duración: 141’

Antes de ser Wonder Woman, era Diana, princesa de las Amazonas, entrenada para ser una guerrera invencible. Diana fue criada en una isla paradisíaca protegida. Hasta que un día un piloto norteamericano, tiene un accidente y acaba en sus costas. Un gran conflicto existente en el mundo está apunto de estallar  [Primera Guerra Mundial]. Diana decide salir de la isla convencida de que puede detener la terrible amenaza. Mientras lucha junto a los hombres en la guerra que acabará con todas las guerras, Diana descubre todos sus poderes y su verdadero destino.

Nueva crítica de la sección de estrenos, en esta ocasión hablaré de Wonder Woman,  nueva película de superhéroes de la casa DC y la mejor cinta realizada hasta el momento por la marca Warner Warner (dejando de lado, la trilogía Nolan). El personaje ya fue presentado con anterioridad en Batman v.s Superman, resultando ser lo más interesante de la película, en esta ocasión tendremos la oportunidad de ver sus andanzas como solista, ahora bien, no nos equivoquemos en el enfoque del personaje, estamos ante el nacimiento del personaje.

Dada mis actuales experiencias en materia de estrenos, y dentro del campo de la evasión y el entretenimiento. Estamos ante uno de los mejores estrenos del año dentro de su categoría (tras Logan), pero tiene sus inconvenientes: 

    Carece de personalidad, las escenas de acción imitan el trabajo de Snyder, hay demasiados paralelismos con Superman de Richard Donner. En ciertos momentos me dio la sensación de estar viendo Gladiator “Mi nombre es Máximo Décimo Meridio, comandante de los ejércitos del norte …”.

    El arranque en Temiscera es un tanto flojo, no es hasta que su trama se traslada a Londres, cuando la historia comienza a dar sus frutos.

  Por último, el exceso de CGI (especialmente en su batalla final), un defecto convertido en una costumbre por dicho género. 

Pero que el pesimismo de estas palabras no enturbie sus ganas de ir al cine, a grandes rasgos no ofrece tantos disparates como sus predecesoras y podrán disfrutar de una trama aventurera, llevadera y entretenida. Tendremos cierta épica, especialmente en la secuencia de la trinchera (menos charla mejor), por desgracia esto no sucederá en el final, que si bien hay cierto momentos gloriosos pero esto son ensombrecidos por ciertos elementos de CGI y bueno … ¡¡ Eso de ahí no es Ares!! , ( ataque Fanboy, disculpen) como sorpresa bien, pero … no.

Respecto a lo interpretativo Gal Gadot es una Wonder Woman bastante convincente, pero una floja Diana Prince, cuyas emociones y expresiones no consiguen transmitir mucho (a excepción de cuando sonríe). Espero que en este punto la actriz mejore en el futuro. Chris Pinn, en la linea de su compañera, hay cierta química entre los personajes, desde luego más de lo que pretendían con Bruce Wayne y Diana en Batman v.s Superman. 

En conclusión, buena adaptación del personaje, recomendable. Cumple con lo que se espera de una producción de estas características.

Nota: Como sugerencia, para futuras películas, si tienen pensado compartir escenas con Diane Lane (Marta Kent) y Connie Nielsen (Hippolyta) que les pongan un cartel para diferenciarlas.